¿Qué es Analógico?

     Para hacer una referencia clara de lo que es la Analógico es necesario primero tener en cuenta que deriva de la palabra Analogía, la misma está comprendida a partir de los términos griegos “Ana” que quiere decir “Reiteración o comparación” y “Logos” que nos indica el significado de “Razón y el conocimiento“, es decir que la analogía es aquella consistencia de las cosas la cual es repetitiva. Se puede hacer una analogía de los errores que cometen las personas una y otra vez, de la misma manera que se puede hacer una analogía de lo que por naturaleza un animal hace cada vez que su instinto se lo pide. Es una analogía el viaje que hacen los pingüinos cada año para aparearse, ya que ellos reiteran la función que cometen cada vez de una manera analógica de acuerdo a la reacción que tienen ellos con el ambiente que los rodea y su propósito.

     Cuando un objeto es analógico, hacemos mención de todo aquello que está destinado a ser continuo, propio de su conducta debe ser que su función no impida que lo analógico de su cuestión sea interrumpido. Analógico es continuidad entonces. Si lo asociamos a la vida cotidiana encontraremos un sin fin de artefactos y artilugios que son analógicos, el más común es el reloj. Sus engranes y piezas encajan de una manera llevando así una función específica, dar la hora, pero ese mecanismo se comporta de una manera analógica, ¿por qué? por el simple hecho de que la aguja vuelve al mismo lugar desde donde partió inicialmente para indicar a la persona que ya finalizo un ciclo del tiempo y así sucesivamente hasta convertirse en un indicador analógico del tiempo.

     Entiéndase que una función analógica es una descripción muy elemental de lo que en realidad hace el objeto en cuestión. Las continuidades se mantienen siempre y cuando no exista un agente que interceda entre la función analógica. El transporte público debería de ser constantemente analógico, pero en el supuesto caso de que no se pueda seguir el camino por el cual está diseñado el recorrido debe desviarse interrumpiendo la analogía pero continuando el trabajo.

Block

Actividad realizada con el resultado de cada una de las fotografías tomadas con la cámara estenopeica durante el período de clases

      

Presentación 

pág. 1

pág. 2

pág. 3

pág. 4

pág. 5

pág. 6

pág. 7

Nota: En cada una de las imágenes aquí expuestas se logran observar la descripción que se le realizó a las fotografías, desde el tipo de angulo en el que fue tomada hasta la distancia focal utilizada en cada caso. 

 Leonardo Pisano y el Número Áureo

Leonardo Pisano, también conocido como Fibonacci, fue un famoso matemático italiano que difundió por Europa el sistema de numeración árabe (1, 2, 3...) con base decimal y con un valor nulo (el cero). Pero el gran descubrimiento de Fibonacci fue la Sucesión de Fibonacci que, posteriormente, dió lugar a la proporción áurea.

¿Qué es la Sucesión de Fibonacci? Se trata de una serie númerica: 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, etc. Es una serie infinita en la que la suma de dos números consecutivos siempre da como resultado el siguiente número (1+1=2; 13+21=34). La relación que existe entre cada pareja de números consecutivos (es decir, si dividimos cada número entre su anterior) se aproxima al número áureo (1,618034) que se identifica con la letra Phi del abecedario griego.

Ahora, apliquemos todo esto al mundo visual. Creemos un rectángulo cuyos lados midan dos de los números de la serie de Fibonacci:

Y ahora vamos a dividirlo siguiendo la serie numérica:

Si dibujamos una línea que una todos estos pequeños recuadros, quedaría algo parecido a esto:

La espiral resultante (conocida como Espiral de Oro) está permanentemente presente en la naturaleza: en las semillas de un girasol, en las conchas marinas... Componer una imagen siguiendo esta espiral nos resulta agradable visualmente porque las proporciones que se obtienen nos parecen naturales.

Es importante tener en cuenta que las fotografías no acostumbran a tener unas proporciones áureas (y si se trata de cámaras de medio formato, cuyos sensores suelen ser cuadrados, todavía menos) así que la espiral de Fibonacci debe ser sólo una guía que te ayude a componer y nunca una regla intocable que te cierre puertas creativas. También es cierto que muchas veces, componemos según la espiral de oro sin ser conscientes de ello, simplemente porque la composición que hemos creado nos ha parecido atractiva visualmente.

 La imagen anterior es un ejemplo de ello, pues la imagen se tomó y luego, para la redacción de este artículo, se le añadió la espiral, momento en el que mi di cuenta de que había seguido la proporción áurea en su composición, sin ni siquiera percatarme de ello. Siguiendo la proporción áurea puedes tener una idea de dónde situar el horizonte o los puntos más importantes de tu fotografía. Lo importante es ser consciente de que no es una ley que se deba cumplir a rajatabla y de que en absoluto asegura la calidad de la imagen final. 

A veces puede salir una fotografía más atractiva visualmente rompiendo esta regla que siguiéndola, todo es cuestión de probar. Un claro ejemplo de ello son las imágenes simétricas.

Y la Regla de los Tercios, ¿cuándo aparece?

Ya habrás imaginado que todo esto te lo estoy contando con un fin y que, seguramente, ese fin sea llegar al origen de la Regla de los Tercios. Bien, pues ha llegado ese momento. Seguimos con el cuadro que hemos utilizado anteriormente. Lo que hacemos ahora es colocar cuatro espirales en el mismo rectángulo. Colocándolas de manera que se inicie una espiral en cada una de las cuatro esquinas del recuadro:

Aquí tenemos nuestra querida Regla de los Tercios, con este dibujo, además, se ven de manera muy gráfica y evidente, las zonas con más interés visual: las esquinas. Como se puede apreciar en el esquema, el centro de la imagen es la zona "menos interesante" de un encuadre (hablamos en general; como ya hemos descrito anteriormente, existen fotografías que rompen por completo esta concepción y, aún así, son muy atractivas visualmente.)

La regla de los tercios es una versión de la proporción áurea; en general, resulta más sencillo componer una fotografía con la regla de los tercios en mente (o superpuesta en la pantalla de la cámara a modo de guía) que con la Espiral de Oro.

¿Qué es la percepción visual? 

Es la capacidad de interpretar la información
 y el entorno de los efectos de la luz visible que llega al ojo. La percepción visual es un proceso activo con el cual el cerebro puede transformar la información lumínica captada por el ojo en una recreación de la realidad externa.
En la percepción visual intervienen tanto los ojos como el cerebro. Los dos están estrechamente relacionados y nos permiten comprender lo que pasa a nuestro alrededor.

¿Hay unas leyes en  función de las cuales vemos o percibimos lo estímulos que recibimos?

Si estas forman las llamadas leyes de la Gestalt. Para comprobar que realmente estas son un recurso muy utilizado por los creativos, vamos a describirlas junto con un ejemplo:

1. Ley de la Proximidad: Al observar tendemos a percibir como juntos o como un mismo objeto los elementos mas cercanos. Cuanto más cerca estén los elementos  más tendemos a agruparlos como un todo.

2. Ley de Semejanza: Tendemos a agrupar los elementos de la misma clase. Los elementos de la composición que son similares en tamaño, color o forma, tendemos a verlos relacionados o agrupados.

3. Ley de la Continuidad: Si nos encontramos ante una imagen, los elementos orientados en la misma dirección tienden a organizarse.

4. Ley de Simetría: Las imágenes simétricas son percibidas como iguales, como un solo elemento, en la distancia. Aún sabiendo que la mitad de nuestro cuerpo no es exactamente igual a la otra mitad, al dividirlo, percibiremos dos partes simétricas ya que responden a un mismo patrón de formas. Las imágenes simétricas son percibidas como iguales. Si esto se aprovecha, pueden crearse efectos como estos

5. Ley de Cierre: Al observar una imagen tendemos a completar aquello que no se nos muestra del objeto. Efecto por el cual el observador tienden a cerrar, reintegrar y completar la información necesaria para conformar un objeto percibido. Aunque una  figura se presente incompleta o discontinua, la percibimos completa, ya que nuestra mente la completa. Las formas cerradas y acabadas son más estables visualmente, lo que hace que tendamos a cerrar con la imaginación las formas no acabadas.

6. Ley de Contraste: Un elemento se distingue del resto por su singularidad o especificidad, por la forma, tamaño, color u otras cualidades propias del objeto.

7. Ley de Figura o Fondo: Cuando estamos observando una imagen siempre tendemos a separarla en una figura y un fondo para poder interpretarla. Cuando no somos capaces de distinguir claramente una figura sobre un fondo, se produce la mímesis y esto puede dar lugar a la ambigüedad.

8. Ley de Dirección: Si en la imagen aparecen elementos con una dirección determinada, hacen que fijemos nuestra atención allí a dónde se dirigen.

9. Ley de Pregnancia: Los elementos más simples son los preferidos en el proceso perceptivo, permiten sintetizar y “memorizar” las formas que componen la imagen. Decimos que una imagen es pregnante cuando es percibida con rapidez por el ojo humano, lo que capta nuestra atención en primer lugar. En publicidad sin duda es muy importante utilizar este recurso para hacer que se vea más unas cosas u otras como por ejemplo la marca.

¿Qué pasa cuando no percibimos correctamente?

En el proceso de la visión o la percepción  pueden darse una serie de factores que hagan que el cerebro haga una interpretación falsa o errónea de lo que está viendo. Si hace una interpretación falsa, el cerebro crea una imagen que no existe. Si  es errónea, el cerebro interpreta de forma incorrecta lo que ve. Aquí es dónde aparecen las archiconocidas ilusiones ópticas. Son imágenes que engañan a nuestro cerebro. ¿Pensaís o recordáis algún anuncio que las haya usado?

Podemos clasificar las ilusiones opticas en:

1. Figuras ambiguas: aquellas que pueden percibirse de varias maneras

2. Anamorfismos: tan de moda en acciones en la calle. Son las imágenes que solo se pueden ver bien desde un determinado punto de vista. También pueden ser utilizados dentro de composiciones gráficas.

3. Engaños visuales: En este típo de imágenes percibimos elementos que en realidad no existen en la imagen como puede ser el movimiento en una imagen fija.

4. Objetos imposibles: son objetos imaginarios pues su construcción en las tres dimensiones  no se podría realizar.Si lo observamos por partes,  el dibujo tiene lógica, pero no en su totalidad. Otros simplemente nos engañan con la perspectiva en que son plasmados, pues en el la imagen se pueden interpretar dos perspectivas y ninguna es correcta. El ejemplo clásico es el Cubo imposible.

La verdadera publicidad creativa no sólo se vale de las nuevas tecnologías, software de diseño o los nuevos soportes para generar impacto, sino que utiliza como base algo tan básico como entender cómo vemos cuando observamos una imagen.  Un buen creativo no es sólo el que sabe utilizar los programas de retoque o herramientas digitales, sino el que tiene en cuenta todo aquello que puede incidir en la percepción de su trabajo. Si sabemos todas estas cosas, podemos jugar con ellas creando interesantes trabajos.

Visto así, la creatividad es mucho menos arbitraría de lo que parece.

Planos y Angulaciones

1. Plano General: Éste es el plano en el que aparece todo el cuerpo. El sujeto aparece de cuerpo entero en la imagen. Este es el plano más lejano que podemos hacer en retratos. 

1. Plano Americano o tres cuartos Aparentemente el nombre de plano americano viene de los tiempos en los que triunfaban las películas del género Western. El plano americano corta al sujeto aproximadamente a la altura de la rodilla o por el muslo. 
2. 
   
3. Plano Medio: El plano medio cubre hasta la cintura, recogiendo la línea de corte entre el ombligo hasta casi la entrepierna. En caso de estar sentado el sujeto, la tolerancia baja hasta aproximadamente la mitad del muslo. Este tipo de encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo humano, por lo que es un tipo de plano muy utilizado en fotografía de moda. También es adecuado para mostrar la realidad entre dos sujetos.
4.  
5. Plano medio corto: El plano medio corto, también conocido como plano de busto o primer plano mayor, recoge el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del pecho. Este plano nos permite aislar en la fotografía una sola figura dentro de un recuadro.

1. Primer plano: También llamado primer plano menor o de retrato, recoge el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el plano detalle y el primerísimo primer plano que veremos a continuación, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al personaje.
2. 
   
3. Primerísimo primer plan o El Primerísimo primer plano capta el rostro desde la base del menton hasta la punta de su cabeza. Con este tipo de encuadre, el primerisimo primer plano consigue también dotar de gran significado a la imagen.miércoles.
4. 
   
5. Plano detalle: El Plano detalle en el retrato recoge una pequeña parte del cuerpo, que no necesariamente se tiene por qué corresponder con el rostro. En esta parte se concentra la máxima capacidad expresiva, y los gestos se intensifican por la distancia mínima que existe entre la cámara y el protagonista, permitiendo enfatizar el detalle que deseamos resaltar.

1. 
   
2.  Ángulo normal: Éste es el ángulo habitual y se caracteriza por establecer una línea entre cámara y objeto fotografiado paralela al suelo. Proporciona una sensación de estabilidad y tranquilidad, precisamente derivada de originarse a partir de una posición con la que solemos no sólo hacer fotografías, sino también observar el mundo. Es el tipo de ángulo más empleado y, en muchas ocasiones es recomendable que te agaches para lograr éste ángulo.
3. 
   
4. Ángulos picado: Este ángulo se produce cuando la cámara se sitúa en un plano superior al objeto fotografiado. Precisamente esta posición superior también conlleva una situación de inferioridad, vulnerabilidad o debilidad del objeto dentro de la fotografía. Es habitual en fotografía de niños (como consecuencia de su mayor fragilidad y debilidad), pequeños animales, flores, objetos de pequeñas dimensiones.
5. 
   
6.  Ángulo cenital o picado extremo: Cuando la situación de la cámara con respecto al objeto o sujeto es de extrema superioridad, hasta el punto de situarse en la perpendicular al suelo por encima del sujeto fotografiado, entonces hablamos de ángulo cenital. Se trata un ángulo que incrementa aún más, la sensación de inferioridad. Por otro lado, si el picado centra mucho la atención en el objeto, con el cenital abrimos un poco más el campo y mostramos también el contexto que lo rodea.
7. 
   
8. Ángulo contrapicado: El contrapicado se logra situando la cámara en una posición inferior al objeto o sujeto. Con este ángulo dotamos al objeto o sujeto de mayor importancia, superioridad, magestuosidad o de una posición dominante frente al observador. Es un ángulo es muy utilizado en fotografía de edificios, pues dota a éstos de mayor grandeza. Aunque también puede ser un recurso para mostrar como superiores a sujetos que se aprecian como inferiores en la realidad.
9. 
   
10.  Ángulo nadir o contrapicado extremo: La cámara se sitúa prácticamente en la perpendicular que une objeto fotografiado y cielo. Con este ángulo se incrementan al máximo las sensaciones del contrapicado, poniendo al que observa la fotografía en la piel de una "hormiga" para la que todo es enorme y "amenazador". Su uso se reserva casi exclusivamente para fotografía de edificios, ya que las líneas de éstos dotan de una gran profundidad a las tomas.

¿Qué es la refracción de la luz?

      La luz es uno de los elementos más llamativos pero complicados, si tenemos en cuenta que la vemos cotidianamente. Es por esto que científicos de todas las épocas se preguntaron cómo funciona y así llegaron al concepto de refracción de la luz. 

     La refracción ocurre cuando la luz se dobla al pasar de una sustancia transparente a otra, al igual que otras ondas como el agua y el sonido. Sin ella no podríamos ver, debido a que causa el enfoque de la luz en nuestra retina. Además, es la base para los lentes y el arcoiris.

     La luz se refracta cuando viaja en ángulo hacia una sustancia con una densidad óptica diferente. Cambia de dirección porque cambia de velocidad. Por ejemplo, cuando pasa del aire al agua. Entonces la refracción tiene que ver con dos cosas: la velocidad y el ángulo de incidencia. Cuanto más abierto sea el ángulo mayor el cambio de dirección y la refracción.

     Si la luz entra en una sustancia con un índice refractivo mayor, irá más lento, como del aire al vidrio. Si el indice es menor irá más rápido, como del agua al aire. La lentitud implica mayor refracción.

     Isaac Newton fue uno de los primeros científicos en estudiar la refracción de la luz. Para esto creó un prisma de vidrio con el que reflejaba la luz de la ventana al otro lado del cuarto. De esta manera, a través de la refracción demostró que la luz blanca está hecha de todos los colores del arcoiris.

     Los colores se separan al pasar por el prisma porque la luz está compuesta de ondas y algunos colores tienen un largo de onda diferente a otros. Esto hace que su índice de refracción en el vidrio sea diferente, y por tanto se separen y se refracten de manera diferente.

László Moholy Nagy.

     Pintor, escultor, fotógrafo, cineasta, diseñador, tipógrafo, teórico del arte, pero también arquitecto de exposiciones, publicista, escenógrafo, pedagogo infatigable, László Moholy-Nagy (1895-1946) es el artista que encarna por excelencia el espíritu utópico de las vanguardias de los años veinte y treinta.

     De origen húngaro, tras estudiar Derecho y volver del frente, en 1918, decide consagrarse a la pintura. Entra rápidamente en contacto con Kurt Schwitters, Raoul Hausmann y El Lissitaky, frecuenta los medios dadaístas y constructivistas y realiza obras inspiradas en las exploraciones de estos movimientos. A partir de 1922 afirma su personalidad artística y encuentra realmente su estilo original. Como muchos artistas de esta época (por ejemplo, los constructivistas en Rusia, de Stijl en Holanda), experimenta materiales inéditos (acetato de celulosa, plexiglás, aluminio), se entusiasma por las nuevas posibilidades técnicas, defiende la interdisciplinariedad entre las artes, la industria y las ciencias, pero además, es sin duda uno de los artistas que ha propuesto uno de los modelos estéticos más completos de nuestra modernidad. En sus obras, en su aportación didáctica como profesor (sobre todo en la Bauhaus, en Alemania, de 1923 a 1929, y en el Institute of Design de Chicago, de 1937 a 1946) y en sus escritos, Moholy-Nagy contribuye en gran medida a renovar las formas de interacción entre la sensibilidad y el pensamiento, y en este sentido, algunas de sus propuestas son vigentes hoy día.

Su aura de humanista del Renacimiento se debe esencialmente a un hecho: aunque no sea siempre el primero en utilizar una técnica o un material, en cada ocasión, y sea cual sea el ámbito, innova radicalmente. En su obra, los hallazgos formales tienen ciertamente un papel plástico autónomo, pero él les confiere una función esencial a sus ojos, que consiste en transformar el ser humano tanto en su modo de vida, su psicología y fisiología como en su intelecto. Moholy-Nagy, que vivió durante un período extremadamente agitado, quería que el hombre dejara de ser un instrumento o una cosa para convertirse, mediante la actividad creadora, en el único productor y constructor de su existencia. En este sentido, el artista seguía el espíritu utópico de su tiempo: su voluntad de desarrollar al máximo las capacidades físicas y la conceptualización humana en una síntesis funcional del cuerpo y el espíritu explica su búsqueda incesante de nuevas formas plásticas.

Fotograma 

Inventado al mismo tiempo que la fotografía, a principios del siglo XIX, el fotograma sólo será utilizado por los artistas por sus propias cualidades a principios de la década de los veinte, en especial por Christian Schad y Man Ray. En esta época, dedicado principalmente a la pintura, Moholy-Nagy comprende rápidamente la riqueza de este material. Realiza sus primeros fotogramas en Berlín, en 1922. Desde entonces, no dejará de producirlos hasta 1946. Actualmente se cuentan 430 piezas, y esta exposición reúne la colección más importante presentada hasta hoy.

En esta exposición se distinguen tres grandes conjuntos, correspondientes a los principales lugares de producción de sus obras: Berlín (1922 y 1923-1928), período de la Bauhaus (1923-1928), exilio en Londres (1935-1937) y en Estados Unidos (1937-1946). Técnicamente, Moholy-Nagy recurre a dos métodos de producción: el primero consiste en situar los objetos directamente sobre un papel fotográfico especial, exponer el conjunto a la luz natural o a una luz artificial, y tras un lapso de tiempo, los contornos y las sombras del objeto dejan sobre el soporte de las superficies claras un fondo oscuro; el segundo se desarrolla en una cámara oscura, un laboratorio, donde la evolución de las formas ya no es visible en tiempo real, y el resultado sólo podrá verse a partir del revelado y la fijación de la copia.

A lo largo de estas experiencias, Moholy-Nagy intentará captar la luz bajo los mejores ángulos e intensidades para crear un material plástico por completo. Para ello, abandonará los objetos opacos en favor de objetos transparentes, traslúcidos o diáfanos como el cristal, el vidrio, ciertos líquidos, velos, tamices, a menudo superpuestos para acentuar los efectos de contraste, grano y textura. Liberada gracias a la inmaterialidad de los objetos, la luz es la causa que permite el nacimiento de la obra, pero también es el efecto producido por dicha obra.

¿Qué es un fotograma ?

Popularmente se conoce como fotograma a cada una de las imágenes que se suceden en una película cinematográfica y que están consideradas de manera aislada.

La medida del fotograma dependerá del formato de la película. El más chico de 8 mm. Es de 4,8 x 3,5 mm. Y en el más grande conocido como IMAX es de 69,6 x 48,5 mm. Cuanto más grande es el fotograma, más aguda será la imagen proyectada en pantalla.

Cada una de las imágenes se encuentra impresa en un papel, en tanto una película fotográfica recogida por una cámara de excelente resolución y velocidad será la que permitirá obtener esa secuencia exacta de las imágenes impresas en papel. Cuando una determinada secuencia de fotogramas puede ser visualizada por el espectador con una determinada frecuencia en las imágenes es que este podrá entonces sentir la sensación de movimiento.

Ejercicio de Fotograma realizado en clase